Archiv des Autors: Gerhard Mersmann

Emotionaler Digitalismus

Der frühe Münchner und später New Yorker Schriftsteller Oskar Maria Graf, der in Berg am Starnberger See aufgewachsen war und das bäuerliche Leben von der Pike auf kennengelernt hatte, wandte gerne die Methode an, die großen Namen und komplexen Theorien so zu transformieren, dass sie in die bäuerlich-bayrische Lebenswelt passten. So wurde aus dem großen Goethe das Goethe Wolferl und dem dunklen Heidegger der Heidegger Martl und die jeweiligen Werke in den bayrischen Dialekt und die bayrische Lebenswelt übersetzt. Das entzauberte mächtig und oft blieb schon dort nicht mehr viel übrig von der alles erhabenen Theorie.

Dennoch, auch das 20. Jahrhundert konnte von sich noch behaupten, reich an Konzeptionen zu sein, die versuchten, die Welt zu erklären und zu gestalten. Das war so in der politischen Theorie wie in der Kunst. Überall, wo sich Menschen einfanden, um fortzuschreiten aus dem Jetzt, da gab es Systeme, die das Ist erklärten und das Neue konturierten. In der Politik waren das z.B. Marxismus, Liberalismus, Darwinismus, Kritischer Rationalismus und in der Kunst z.B. Avantgarde, Neue Sachlichkeit, Realismus. Die Diskussionen waren heftig und es wurde gerungen. Aber, und das ist das Prädikt für das Folgende, man ging davon aus, dass die Menschen Subjekte waren, die ihr Schicksal bewusst gestalten konnten.

Und heute, in der Welt des emotionalen Digitalismus, scheint das alles wie ausradiert. Da heißt es einerseits, die Welt ist so komplex geworden, dass man sie nicht einfach erklären kann. Andererseits bekommt man aber auch für das Fordern nach Konzepten die Antwort, es sei alles viel zu komplex, als dass man es konzeptionell erfassen könnte. Und der eingangs zitierte Oskar Maria Graf würde vor Freude und Spott überschäumen, wenn er die dürftigen Erklärungen erführe, mit denen der so genannte „Überbau“, d.h. die große Denkfabrik der Gesellschaft, heute operiert. Da ist das, was gerade passiert, das Konzept selbst, und in der Kunst sind es plötzlich die Gebäude, die das einzelne Werk in seinem Gesamtarrangement erklären. Ja, so würde er dann wohl schreiben, „wenn dir nichts mehr einfällt, dann bläst du halt die Backen auf und tust ganz wichtig, vielleicht finden sich dann doch ein paar Flachköpfe, die darauf hereineinfallen.“ (Bayrischer Dialekt vom Autor nicht oder nur schlecht imitierbar)

Also das Ist ist das Werk selbst, die Substanz des Daseins, um es nun in einer anderen Sprache zu dokumentieren, die Substanz des Daseins ist die Komplexität des Zufalls. Und um diese Aussage in eine zeitgenössisch durchaus geläufige Sprache zu übersetzen: weder der Philosophie, noch der Gesellschaftstheorie und erst recht nicht der Kunsttheorie fallen Konzepte ein, die der Analyse fähig wären oder zu einer Vision inspirierten. Vielleicht kursieren deshalb so viele Negativszenarien, in denen sich die Technik verselbständigt hat und den Menschen und sein ganzes soziales und kulturelles Gesumms einfach schreddert.

Und irgendwie ergibt sich aus dieser Betrachtung dann doch ein Sinn oder eine Deutung, die gar nicht so abwegig erscheint. Die Apotheose des Werkzeugs zur Herrschaft ist wahrscheinlich die Erklärung dafür, dass der Mensch bereits wieder auf das Objekt reduziert ist. Und wozu brauchen Objekte eine Theorie? Sie werden von höheren, ihnen überlegenen Mächten verwaltet.

Allein diese Erkenntnis sollte genügen, um sich etwas fundamentaler mit dem Dilemma zu befassen, das durch das Fehlen von Konzeptionen sichtbar wird.

The one and only, the lonely Monk

Die große, innovative Epoche des amerikanischen Jazz war ohne Zweifel der Bebop. Nahezu zwei Jahrzehnte, von den späten vierziger bis in die frühen sechziger Jahre des letzten Jahrhunderts sprossen die Innovatoren des Genres aus New Yorks Pflaster wie Pilze aus dem Waldboden. Charlie Parker, Dizzie Gillespie, John Coltrane, Kenny Clarke und natürlich Thelonious Monk. Die Liste derer, die aufgrund ihres Innovationspotenzials, ihrer kompositorischen Klasse, ihrer Virtuosität und ihrer Extravaganz genannt werden müssten, ist lang. Gemein war ihnen allen, dass sie schwarz waren, dass sie diskriminiert wurden und dass sie immer vom existenziellen Aus bedroht waren. Die meisten starben früh, weil sie Opfer der verbreiteten Drogen waren, die in diesem Milieu Hochkonjunktur hatten. Dennoch blieb ihre immense Wirkung bis zum heutigen Tag. Kein junger Saxophonist, der sich nicht an Coltrane-Skalen übt, keine Musikhochschule, die die Latte für die Besten nicht am Bebop aufhängt.

 
Wenn es jedoch einen unter ihnen gab, der nicht nur bis heute Wirkung hatte, sondern der immer noch, obwohl schon lange tot, in seinen Stücken das Gen der Zukunft hat, dann war es Thelonious Monk. Der Komponist und Pianist schuf nicht nur die Hymnen des Bebop, sondern auch die höchste Form des urbanen Blues. Wenn es bei viel Übung und großer Virtuosität möglich ist, die Improvisationsorkane eines John Coltrane oder Charlie Parker nachzuspielen, so sind die Stücke Monks, die zum Teil in sehr niedrigen Tempi fortschreiten, wesentlich schwerer zu imitieren. Die rhythmischen wie tonalen Überraschungsmomente sind einfach zu radikal, als dass die Synapsen sie antizipieren könnten.

 
Monks Kompositionen weisen, wie die meisten Bebop-Stücke, eine einfache, nahezu infantil wirkende Melodielinie auf, bevor sie das Höllentor der Improvisation aufreißen. Während ein Charlie Parker dann tatsächlich dabei war, die Schallmauer zu durchbrechen, trat Monk auf die Bremse, um durch irrsinnig wirkende Rhythmuswechsel und befremdliche Tonfolgen zu verstören. Das, was in seinem zur Weltmusik aufgestiegenen Stück Blue Monk im Titel anklingt, kann als das Programm Monks schlechthin bezeichnet werden. Thelonious Monk arbeitete nicht nur mit Blue Notes, sondern auch mit Blue Rhythms und Blue Tempi. Ihm gelang es auf geniale, außerirdische Weise, den Wesenskern des Blues auf alle relevanten kompositorischen Elemente konsequent anzuwenden. Was dabei herauskam, war keine verschrobene, atonale Musik, sondern Kompositionen, die unter die Haut gehen, die zu Tränen rühren und die bis ans Ende der Zeit inspirieren.

 
Der in North Carolina geborene Thelonious Monk gehörte bald zur festen New Yorker Jazz-Szene. Dennoch passte er in kein Klischee. Er eignete sich nicht für eine Gruppe, die gelabelt werden konnte. Bekannt ist, dass er unter einer bipolaren Störung litt, dass er Benzedrin wie Alkohol konsumierte und alle Höllenfahrten, die ein menschliches Gemüt erfahren kann, immer wieder absolvierte. Ob sein Format als Komponist dadurch beeinflusst wurde oder nicht, ist müßig. Was auf jeden Fall bleibt und wirken wird, ist seine Musik.

 
Heute ist der hundertste Geburtstag des Lonely Monk. Was kann man an einem solchen Tag besseres machen als seine Musik zu hören? Blue Monk, Straight, No Chaser, Round Midnight, Well, You Needn´t, 52nd Street Theme, Ask Me Now. Die Liste wird immer länger. Da gibt es Aufnahmen, auf denen er allein am Klavier sitzt. Monk wird spielen, ich werde zuhören. Nur der göttliche Mönch, die kleine, unerhebliche Welt und ich. Und demütig werde ich ihm lauschen. Zu seinem profanen hundertsten Geburtstag.