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Alte Katzen, wild wie eh und je

Guru Guru. Electric Cats

Bestimmte Bands erscheinen nie in den Charts und dennoch bilden sie bestimmte Epochen mehr als die viel beachteten. Sie erscheinen wie aus dem Nichts, um mit ihren ersten Signalen zu verstören, sie setzen neue Trends und bleiben ihrer Linie treu. Die Band Guru Guru um den Schweizer Schlagzeuger Mani Neumeier ist ein solcher Fall. Sie wurde 1968 gegründet und verstörte vom ersten Auftritt an das Publikum. Das liegt natürlich an ihrem Repertoire, das von immer neuen, andersartigen, bizarren und frivolen Inspirationen lebt. Mani Neumeier war es, der früh nach Bali reiste, um dort mit Gamelan-Orchestern zu experimentieren. Von dort stammt auch der Name, Guru-Guru ist im Javanischen, das starke Wurzeln im Sanskrit hat, der Plural von Lehrer. Die Band lebt bis heute in Finkenbach im Odenwald und die jährlichen Open-Air-Festivals dort haben wie die Band selbst seit Jahrzehnten Kult-Charakter.

Heute, nach 45 Jahren Bandexistenz, erscheint das insgesamt 30. Album mit dem Titel Electric Cats. Damit hat die Band, durch die unzählige verwegene wie exzentrische Mitglieder wie durch einen Durchlauferhitzer gegangen sind, ein Fazit gezogen, das der alten Linie treu bleibt: Experimentell und gegen den Mainstream, musikalisch exzellent, rockig, psychedelisch und immer auf dem Korridor zur Weltmusik. Dafür sorgen neben Mani Neumeier wieder einmal Roland Schaefer, der seine eigenen Akzente mit dem indischen Blasinstrument, dem Nadaswaram setzt, Hans Reffert, der Lucifer an der Gitarre, der immer wieder bizarre Schleifen durch den Electric Blues zieht, die Gäste Ax Genrich und Helmut Hattler sowie Peter Kühnstedt, der den Bass aus dem Industriezeitalter gerettet hat.

Die einzelnen Stücke sind eine Referenz an den eigenen musikalischen Reichtum. Return Of The Platypus ist eine Kurzrevue über die eigene Entwicklung des originär in der Geschichte der Band verhafteten Rock, der Titelsong, Electric Cats, verzaubert durch seine psychedelischen Eskapaden und verrät etwas über das mentale Konzept von Guru Guru, Rock `N`Roll Machine knallt auf die wurmstichigen Ohren eines jeden Altrockers, Sweet Orbit erinnert an die bewusstseinsverändernden Experimente, Afghani weist auf die Affinität zu asiatischen Erzählweisen hin, A Trip To Gurustan transportiert Jazzelemente in die narrativen Muster von Nomaden, Drumoroto2 zeigt, wie der in Japan mit soviel Respekt verehrte King Of Drums, Mani Neumeier, entlang der Hendrix-Riffs Hans Refferts trotz der überschrittenen 70 mühelos wandern kann, African Beauty vermittelt den unbekümmerten Groove aus der Wiege des Blues, Psylo wirkt wie eine böse Erinnerung an die Magic Mushrooms aus dem Odenwald und Little Figatree, der letzte Song, schafft einen Zugang zu der großartigen Infantilität dieser Musiker, ohne die nie etwas wirklich Neues entstehen könnte, und natürlich souffliert diese Botschaft das Nadaswaram.

Guru Guru haben mit ihrem 30. Album unter Beweis gestellt, dass sie nach wie vor einen Weg gehen, der sich um keine Trends schert. Da werden Traditionen dazu benutzt, um sie einmal anders zu denken und auszuprobieren, wohin das alles führen kann, wenn die Weisen nicht festgeschrieben sind. Das ist vielleicht mutiger denn je, denn als die Band 1968 entstand, wartete die ganze Welt auf kulturelle Veränderungen und arrangierte sich mit den Schocks, die das Neue verursachte. Heute ist das Neue wie der Schock verpönt, für Guru Guru ist beides nach wie vor nichts als ein notwendiger Auftakt.

Was bleibt ist der Soul!

Lou Pride. Ain’t No More Love In This House

Wer in Chicago geboren ist, zur Gruppe der Afroamerikaner gehört und Musik macht, der kann den Blues nicht leugnen. Lou Pride war so einer. Über den Gospel in den Baptistengemeinden fand er schnell zum Blues. Und wie alle, die es bei der Musikerdichte nicht schafften, zu den Platzhirschen in den großen Clubs der Southside zu avancieren, zog es ihn bald in die Ferne. Selbst hier in Deutschland tingelte er mit der Gruppe The Karls durch diverse Shows im TV. Zurückgekehrt in die USA hatte er Engagements mit diversen Blues-, Rhythm&Blues- und Soulformationen auf dem berühmten Chitlin´Circuit im Süden der USA, benannt nach dem Schweinefleisch und Innereien lastigen Soulfood, das dort in den Clubs zur hitzigen Atmosphäre kredenzt wird. Wer es dort nicht lernt, der lernt es nie. Und wer es dort lernt, der kann mit seiner Musik und der dazugehörigen Show verzaubern. Lou Pride heiratete und ließ sich in El Paso in Texas nieder. Er verstarb 2012 im Alter von 68 Jahren in seiner Heimatstadt Chicago, kurz nachdem er sein letztes Album mit dem Titel Ain´t No More Love In This House aufgenommen hatte.

Ohne es zu wissen, hinterließ Lou Pride mit diesem Album sein Vermächtnis. Es ist ein überaus starkes Werk des Soul, das den Blues nie leugnet und durch die Üppigkeit des Souls, wie er im Süden zelebriert wird, überzeugt. Mit insgesamt 11 Titeln, die, ob sie in den Charts waren oder auch nicht, als Klassiker dieses Genres gelten können. Zusammen mit einer überaus wirksamen Band, die mit einem Chor und einem starken Bläsersatz korrespondiert, holt Pride das Sortiment der musikalischen Lebensphilosophie des Souls heraus und thematisiert das, was ihn am Vorabend seines Abschieds bewegte und auch wohl aufbrachte. Pride beklagt die Auflösung sozialer Systeme wie der Familie, die Aggressivität der Politik, die sich immer wieder durch militärische Abenteuer aus der Bredouille zu bringen sucht. Ain´t No More Love In This House, I Didn´t Take Your Woman, Take It Slow und Key To The World sind Auseinandersetzungen mit den Kämpfen des Individuums in einer zunehmend fremdbestimmten Welt. Es handelt sich um einen hochkarätigen Diskurs, den die Hörer auch ausblenden können, wenn sie sich den elektrisierenden Gitarrensoli von Johnny Moeller, den bluesigen, soligen, stickigen und dann wieder messerscharfen Arrangements von Kenny Rittenhouses Bläsersatz hingeben. Das grunzt und walzt durch den Dschungel menschlicher Gefühle und verrät trotz aller Klage dennoch einen unbändigen Lebenswillen. Da delektiert sich niemand an der eigenen Unzulänglichkeit, da spricht ein unbändiges Vertrauen in die Macht der Gemeinschaft.

Dass das Album unter dem Label Roots Music For The 21ST Century figuriert, passt zu den Botschaften, die mit dieser Musik gesendet werden. Bei Rhythm&Blues wie Soul handelt es sich um Genres, die sich gegen die Dominanz der alten Eliten in Nordamerika längst durchgesetzt haben, gerade weil sie sich als Fundament für Innovationen als weitaus geeigneter erwiesen als die leichten Moden weißer Eliten oder die Plagiate aus dem alten Europa. Sie sind die Volksmusik der Afroamerikaner, die sie von den Baumwollfeldern in die hochindustriellen Metropolen herübergerettet und weiterentwickelt haben. Zu sehen, wohin das alles noch führen mag, bleib Lou Pride nicht vergönnt. Er schien es zu ahnen, denn Holding Back The Years beendet das Album. Schöner kann man sich nicht verabschieden.

Satter Blues aus dem Old Absinth House

Bryan Lee. Play One For Me

1943 in Two Rivers, Wisconsin geboren, verlor er bereits mit acht Jahren komplett sein Augenlicht. Dann griff er zur Gitarre und ließ sie nicht mehr los. Nachts lauschte er den Sendungen von WLAC-AM aus Nashville, die viele seiner Generation prägten. Dort hörte er zum ersten Mal Elmore James, Albert King und Albert Collins. Seine erste Band coverte Songs von Elvis Presley, Little Richard und Chuck Berry. Da war er noch Teenager. Und dann entdeckte er den Chicago Blues, dem er bis heute treu blieb. Mit seiner ersten Blues Band nahm er das Album Beauty Is not Always Visual auf, ein Hinweis auf sein eigenes Erleben. Und ab 1982 folgte etwas, was von der typischen Blueser Karriere des modernen Amerika abweicht, aber gerade das geformt hat, was ihn ausmacht. Er wechselte nach New Orleans und erhielt ab 1982 ein Engagement im Old Absinth House in der Bourbon Street, wo er in den folgenden 14 Jahren fünfmal in der Woche auftrat. Das prägt, das ist eine richtig harte Schule, jede Nacht die Wünsche von besoffenen Touristen zugerufen zu bekommen, sie und die wenigen Kenner bei Laune zu halten und gegen das Geklimper von Flaschen und Geschirr, das Geschrei der Überhitzten und das Anmachen der vom Gingrößenwahn Befallenen anzuspielen.

Bryan Lee hat das alles mit Bravour überstanden und die Musik, die er mit seinem neuen Album Play One For Me ist eine gelungene, wunderbare und herzliche Referenz an all die Jahre On-Stage, in denen der wahre Musiker seine Kunst entwickelt. Lee fährt alles auf, was ihm zur Verfügung steht und er beginnt mit einer Hommage an Aretha Franklin unter dem schlichten Titel Aretha, bei dem nicht nur seine siebenköpfige Band, sondern auch noch sieben Bläser und drei Streicher mitwirken. Satter geht es nicht und es hört sich nicht nur an wie eine Liebeserklärung an Aretha Franklin, sondern auch wie ein Treueschwur auf B.B. King, denn Bryan Lee greift die Riffs und akzentuiert die Gitarre wie die große Ikone des Blues. Die folgenden Songs sind das, was von einem im Blues Sozialisierten zu erwarten ist: Lebensweisheiten, die niemand widerlegen kann, Gefühle, die jedes enttäuschte Herz kennt und Erkenntnisse, die die Härte des Lebens unterstreichen. When Love Begins (Friendship Ends) oder You Was My Baby (But You Ain´t My Baby No More) unterstreichen das in nahezu zu deutlicher Form, aber da spricht wohl der Bühnenpädagoge aus dem Old Absinth House.

Das Phänomenale an der mit insgesamt zehn Titeln eingespielten CD ist die Atmosphäre, die sie herüber bringt, obwohl sie im Studio aufgenommen wurde. Bryan Lee und seinen Mitstreitern gelingt es, Idee wie Atmosphäre eines Blues House zu entfachen. Und das, was dort gelingt, spiegelt eben das pralle, durchsichtige, etwas oberflächliche Leben der Bourbon Street. Die eher besinnliche, selbst reflektive Version des Blues ist auf dieser CD nicht zu erwarten. Aber wer das satte, raue, und auch politisch renitente des Blues mag, der hat mit Bryan Lees Play One For Me einen guten Griff gemacht. Da fließt die berühmt berüchtigte gute Zeit und man kommt nicht in Versuchung, sich über das Morgen den Kopf zu zerbrechen.